La composición pictórica es la disposición deliberada de los elementos que componen la obra.
Esta condiciona la manera de percibir e interactuar con la pintura por parte del espectador.
Comprender las bases que fundamentan el arte es esencial para lograr composiciones sólidas e interesantes.
Hoy te damos algunas claves sobre la composición pictórica, ¿nos acompañas?
Elementos de la composición pictórica
Luz, forma, color, perspectiva, profundidad, anatomía…son los principales elementos que intervienen cuando hablamos de composición en la pintura.
El libro que te presentamos a continuación, está escrito e ilustrado por expertos pertenecientes a diferentes disciplinas artísticas.
Muestra de forma didáctica aquellos elementos esenciales sobre los que se cimenta el arte.
Al mismo tiempo nos ofrece una cuidada selección de obras llevadas a cabo por grandes artistas. Estas ejemplifican a la perfección cómo se han ejecutado con maestría siguiendo estos fundamentos.
La obra que te mostramos más abajo ha sido editada por la Universitat de Barcelona.
Se centra la observación del empleo del color, la generación de formas y el tratamiento del espacio en las obras pictóricas.
Sin embargo, no deja de incidir en todo momento en el hecho de que todas estas cuestiones están supeditadas a la percepción del artista. Se trata de un elemento determinante, tanto a la hora de conceptualizar como de ejecutar la obra.
Sus páginas enriquecen sus interesantes análisis gracias al testimonio de algunos de los artistas contemporáneos más reconocidos a nivel internacional.
Anteriormente dedicamos un post al color, si no lo leíste este puede ser un buen momento para echarle un vistazo: libros sobre el color.
La composición pictórica a lo largo de la historia
Algo importante que hay que tener en cuenta es que los preceptos y consideraciones relativas a la composición pictórica han ido evolucionando. Del mismo modo que lo ha hecho el gusto estético y la manera de entender el arte.
En cada momento histórico los artistas pictóricos han perseguido diferentes objetivos con sus pinturas.
En la Edad Media por ejemplo, se pretendía despertar el sentimiento religioso o fortalecer la imagen de poder de reyes y señores.
En el Renacimiento, sin embargo, los artistas perseguían reproducir la realidad de la forma más fiel posible.
Las vanguardias por su parte, surgieron con la voluntad rupturista de sacudir, cuestionar la idea misma de Arte.
El Renacimiento
A lo largo de gran parte de la Historia del Arte, comprender de qué manera representar la realidad de forma fehaciente ha sido una constante.
El Renacimiento fue una época de grandes avances en este campo.
Sirviéndose de la geometría y las matemáticas, los artistas de este periodo consiguieron generar ilusión de perspectiva, volumen y profundidad en sus cuadros.
Una de las figuras clave para entender el arte del Renacimiento, al que ya le dedicamos una entrada en este blog fue Leonardo da Vinci.
Las notas, ideas y conocimientos que fue acumulando a lo largo de su vida respecto al ejercicio pictórico nos son de gran utilidad para comprender los ideales artísticos de la época.
Son el resultado de una profunda observación de la naturaleza y de una experimentación continua.
Parte esencial de estas ideas y observaciones están recogidas en su Tratado de pintura.
La edición que te mostramos debajo es la primera en español que se realiza tomando directamente los manuscritos originales en italiano.
La invención de la perspectiva
La perspectiva lineal fue uno de los hallazgos más destacados de la época y una de las mayores aportaciones a la historia de la pintura. Cambió drásticamente el lenguaje pictórico.
Se basaba en establecer un punto de fuga para conferir profundidad al espacio, mostrando así tres dimensiones en lugar de dos:
Otra obra interesante para adentrarse en la mente del pintor renacentista y comprender qué máximas en materia de composición les guiaban a la hora de ejecutar sus obras es Giotto y los oradores.
El autor repasa los hitos que condujeron a la invención de la perspectiva en el siglo XV, gracias a la cuál los grandes maestros lograron efectos estéticos sutiles y fascinantes.
Sus páginas explican las nociones básicas de la perspectiva y argumentan las razones de su eficacia.
Su autor toma como referencia la investigación de laboratorio sobre percepción más reciente para desarrollar su teoría de por qué los artistas del Renacimiento usaron la perspectiva de forma tan poco ortodoxa.
La vanguardia
Y avanzando unos siglos en el tiempo nos vamos hasta las primeras décadas del siglo pasado.
El pintor y teórico del arte ruso Vasili Kandinsky ejerció también como docente algunos años, tratando de trasladar a sus alumnos las máximas de la Bauhaus.
En sus notas preparatorias para estas clases, recogidas en el siguiente libro, encontramos las claves de la visión de esta escuela sobre la pintura “libre”, el color y los elementos de forma.
Es interesante comprobar a través de su lectura que los ideales y las normas de composición han ido moldeándose y ampliándose a lo largo de las épocas…
La composición aplicada al diseño
El siguiente volumen pretende explicar los principios visuales mediante la observación de los sistemas de proporción clásicos.
La sección áurea y la secuencia Fibonacci, los rectángulos raíz, las ratios, la interrelación de las formas o las líneas reguladoras son algunos de estos sistemas.
La obra se enriquece mediante el análisis de diversos diseños en cuya ejecución destaca un hondo sentido de la proporción.
Por último, analiza el papel que la simetría, el orden y el equilibrio visual desempeñan en el arte y el diseño para enseñarnos a reconocerlos y a comprender su funcionamiento.
La composición pictórica y la percepción visual
En la segunda mitad del siglo XX surgieron varios trabajos que intentaban fundamentar una teoría de la composición gráfica tomando como referencia los nuevos estudios científicos sobre la percepción visual.
En ese contexto se enmarca la siguiente obra que te mostramos. Donis A. Dondis firma este clásico que se erigió como una de las principales propuestas precursoras de estos planteamientos.
Se trata de una aproximación al tema precisa y amena que sondea los principios y reglas del lenguaje de las imágenes.
Su exposición teórica va acompañada de múltiples ejemplos y referencias provenientes de diferentes disciplinas artísticas.
Se trata de un manual básico que contribuye a alimentar nuestra cultura visual, fundamental en la era actual, en la que imagen y realidad son indisociables.
En las siguientes páginas Rudolf Arnheim desgrana los componentes básicos de la obra de arte.
Basándose en los resultados de numerosos estudios experimentales, su objetivo es poner de manifiesto la universalidad de ciertos factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple o el fenómeno de figura y fondo.
Se trata de una obra rigurosa pero accesible al lector no especializado.
Por último, te dejamos con una compilación de tres ensayos escritos por tres autores fundamentales: E. H. Gombrich (de quien ya hablamos en nuestro anterior post de Libros sobre iconografía), J. Hochberg y M. Black.
Se presentan aquí tres enfoques diferentes que, no obstante, se complementan a la perfección, aportando perspectiva desde la historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), la psicología (Julian Hochberg) y la filosofía (Max Black).
Estructurado en torno a las problemáticas derivadas de la percepción de las imágenes de arte, el libro reflexiona sobre conceptos clave como el tiempo, la verosimilitud o la escena espacial, los niveles de atención, etc.
Imprescindible enfrentamiento de ideas que invita a profundizar y a abrir debate. Inédito en la bibliografía en lengua castellana sobre la imagen.
Esperamos que disfrutes de estas lecturas. Te esperamos en nuestra próxima cita semanal.